ROSÉ ha soltado 'new trick', un himno punk-pop que la devuelve al instituto pocos meses antes de cumplir 30.

La canción es exactamente lo que promete el envoltorio: guitarras con filo, estribillo que se pega y letra de manual post-ruptura. Corazón recogido del suelo, un amor que desaparece como el arcoíris y una protagonista buscando trucos nuevos para olvidar. Nada revolucionario, todo bien hecho.

Qué es exactamente 'new trick'

El tema está firmado a tres manos: ROSÉ, Andrew Wells y Amy Allen. Eso explica bastante del resultado. Wells viene del pop de estadio y Allen es una de las plumas más cotizadas del momento, así que la mezcla cae justo entre la rabia y el algodón de azúcar, que es donde vive el buen punk-pop.

Alguien dirá Olivia Rodrigo. Y tendrá razón a medias, porque el ADN es más viejo: esto es lo que hacía Shampoo en aquel disco mítico que medio mundo cita y casi nadie recuerda. La diferencia es que ROSÉ no necesita fingir que tiene 17 años para que la rabia suene creíble.

El dato que más corre por las redes es otro: el tema ya ha entrado en Today's Top Hits, una de las playlists más seguidas de Spotify. Traducción rápida: esto es un single de verdad y no una curiosidad para fans.

Cosas que pasan en 2026.

El punk-pop vive de fingir que la adolescencia no se acaba nunca, y a estas alturas ese truco ya no es nostalgia: es negocio.

El vídeo: instituto, coches y cero vergüenza

Dirige Dave Meyers y la premisa es de una simplicidad que casi da ternura: ROSÉ vuelve al insti con uniforme, taquilla, y cero complejos, y se dedica a patear coches. Porque no puedes detener a una chica con el corazón roto, dice la letra. Y ella se lo toma al pie de la letra.

Que una artista de 29 años se disfrace de estudiante no es ninguna tragedia. Esto ya pasaba en 'Beverly Hills 90210' y nadie pidió explicaciones. Otra cosa es que el truco aguante muchos vídeos más.

Por qué funciona (y por qué no es tan simple)

Rosé lleva desde 2016 dentro de una de las máquinas de taquilla más grandes del pop, y cada vez que canta sola se la mira con lupa. Tiene lógica: 'APT.', su colaboración con Bruno Mars, le dio un hit global y la colocó en otra liga.

Aquí la jugada es más lista de lo que parece. El punk-pop vive un segundo aire desde hace años, y ella se mete ahí sin pedir permiso ni disfrazarse de lo que no es. Es azúcar con mala leche, y ese equilibrio es mucho más difícil de lo que suena.

Lo que no compro es el envoltorio. El rollo del instituto funciona porque el vídeo es un chiste, pero como declaración artística es cartón piedra. La canción, eso sí, aguanta sin necesidad del uniforme. Y eso es lo que importa.

Queda la pregunta de siempre: ¿single suelto o primera piedra de algo más grande? El 11 de febrero de 2027 cumple 30. Si para entonces no hay anuncio, es que el calendario de esta mujer va por libre.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? ROSÉ publica 'new trick', punk-pop post-ruptura con vídeo de instituto y coches pateados.
• 🔥 ¿Por qué importa? Es su giro más claro al pop-rock y ya suena en Today's Top Hits.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Ni meme ni obra maestra: tres minutos que se pegan y no piden más.

The Weeknd llevaba desde 2022 jugando con la idea de dejarlo. Este septiembre, en GQ Hong Kong, ha dicho que no.

La historia viene de lejos. En 2022 ya insinuó que le gustaría firmar como ABEL y aparcar el personaje. En 2025 seguía más o menos igual: venía a decir que nadie iba a hacer de The Weeknd mejor de lo que él ya lo había hecho. En plan 'se acabó'.

Después empezó a desdecirse. En algún concierto soltó que nunca iba a desaparecer, y el relato del adiós definitivo se fue desinflando solo, sin comunicado ni nota de prensa de por medio.

Ahora lo confirma en una charla con GQ Hong Kong: que no se va a ningún lado, que lo que estaba era hibernando. Palabra suya.

El contexto ayuda a entender el giro. Se acerca el final de su gira y, con ella, el cierre de la trilogía que arrancó en 2020. El último concierto está fechado, en Malasia, en noviembre.

No es una retirada aplazada: es un artista mirando el final de una etapa y decidiendo que la siguiente también la canta él.

Qué ha dicho exactamente en GQ Hong Kong

La cita que lo aclara todo es esta: pudo vislumbrar cómo es retirarse y no es para él. Que es un privilegio hacer lo que hace, que no hay nada como este trabajo y que la gratitud del último año ha sido inmensa.

El cierre no deja margen: seguirá haciéndolo todo el tiempo que pueda. The Weeknd, dice, no se va a ninguna parte.

Hay un matiz que muchos titulares han pisado. Él mismo separa dos cosas: la historia que cuenta desde 2020, que ha llegado a su final, y el proyecto entero, que no. La trilogía que arrancó en 2020 está a punto de cerrarse; el personaje, de momento, no.

El 'no me voy' que ya dijo otras veces

Conviene recordar de dónde venimos, porque esto no es nuevo. En 2022 coqueteó con el adiós. En 2025 insistía en lo mismo. Y entre medias, en directo, ya había soltado eso de que nunca iba a desaparecer. Tres versiones del mismo relato en cuatro años.

Lo raro aquí no es que se quede. Es que lo explique tan claro y sin drama, en una entrevista de promoción, como quien cierra una carpeta. Los adioses del pop rara vez son definitivos y este no huele a excepción.

Por qué esta vez suena distinto

La lectura rápida sería 'otro artista que anuncia que se va y luego no se va'. Pero hay dos detalles que cambian el cálculo. El primero es el cierre real de un ciclo narrativo: sus últimos discos forman una historia con principio y final, y ese final ya tiene fecha en el calendario. El segundo es la palabra 'hibernar', que no significa lo mismo que retirarse. Un artista que hiberna deja la puerta abierta; uno que se retira la cierra del todo.

Para quien siga la carrera desde los tiempos de la trilogía, esto también funciona como aviso útil: lo que termina es un arco concreto, no una discografía. Y para el resto, la conclusión práctica es que la próxima era empieza sin fecha anunciada, pero con dueño conocido.

El siguiente hito es la última parada de la gira, en noviembre. Después, silencio, estudio y a ver qué sale. La agenda oficial sigue viva en la web del artista, por si alguien quiere comprobar por su cuenta que aún quedan cosas por anunciar.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? The Weeknd confirma en GQ Hong Kong que no se retira y que el personaje sigue vivo.
• 🔥 ¿Por qué importa? Cierra la trilogía abierta en 2020 sin apagar a The Weeknd, que llevaba años jugando al adiós.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Solo un meme del calendario musical: los adioses del pop caducan siempre antes de lo previsto.

Banin, miembro de Los Planetas entre 1997 y 2024, publicará su primer disco en solitario a principios de 2027.

El anuncio lo ha contado él mismo en una entrevista con El Mundo, recogida por Jenesaispop, y tiene poco de celebración: el álbum va a hablar, y mucho, de su salida del grupo. Se titulará 'Plutón ya no es un planeta', saldrá en Mushroom Pillow y su primer single se llama 'Prípiat', en referencia a Chernóbil. Podrá escucharse en breve.

Cómo se enteró de que ya no estaba en el grupo

Sin llamada, sin reunión, sin mensaje. Banin vio los carteles de los conciertos de la gira de 'Súper 8', el disco de 1994 en el que él no había tocado, y ahí entendió que no contaban con él. El batería Eric, que tampoco estaba convocado para ese tour, sí acabó incorporándose después al grupo. Banin, no.

Su explicación de cómo se hablaban las cosas dentro de la banda es la más dura que se le recuerda: 'En Los Planetas nunca hubo mucha comunicación. Todo se hablaba a partir de terceros y a esos terceros tampoco les interesaba hablar del tema'. Sobre la exclusión del 'Súper 8' añade que fue 'una jugada bastante fea', del tipo que hace alguien 'porque tiene superioridad en el tablero'.

Y remata: 'Quería que mi manera de explicarme fuera con canciones'.

Hay mil maneras de echar a alguien de un grupo y la de Los Planetas fue la peor: enterarte por un cartel.

'Cerdo que ha probado sangre': las letras que todos están leyendo

El disco tiene versos que la prensa ya ha señalado como dirigidos a Jota: 'lo que tú me has hecho no se puede nombrar / no hay ninguna palabra que se pueda acercar' o 'Cerdo que ha probado sangre, siempre quiere más'. Preguntado por ellos, Banin responde que no se ha inspirado en una sola persona para escribir el álbum, aunque deja la puerta abierta: 'Cualquiera que haya tenido un jefe cabrón va a identificarse 100% conmigo y con mis canciones'.

Traducido: si has aguantado a un jefe, o a un socio o a un compañero de piso insoportable, esto también va por ti. El detalle que casi nadie está comentando es que 'Plutón ya no es un planeta' funciona como ajuste de cuentas y como manual laboral. Las dos cosas a la vez, y eso vende.

Por qué este disco importa (y por qué puede salir mal)

Los Planetas son una de esas bandas que no necesitan presentación —aquí tienes su entrada de Wikipedia si te has perdido treinta años de indie español—, y precisamente por eso su silencio ha sido siempre su mejor herramienta. Nunca han dado explicaciones. Se han caído miembros, han vuelto, han salido discos y el relato oficial siempre ha sido el de la obra, no el de la convivencia. Que ahora sea un exmiembro el que rompa ese pacto dice bastante de cómo se gestionó todo por dentro. Ha pasado con otras separaciones sonadas del indie nacional, que se quedaron sin contar: el público rellenó los huecos en los foros y ahí siguen, sin resolver.

Banin tiene ahora mismo dos cosas que no tenía hace dos años: un disco con un motivo real y un sitio donde tocar. Está girando con Carolina Durante y lo cuenta como una revelación: 'Para mí que haya armonía en un grupo de éxito es algo maravilloso. Yo nunca he visto eso en Los Planetas'. Lo atribuye a la educación emocional de las nuevas generaciones, que llevan mejor eso de decir las cosas a la cara. Si todo eso se traduce en canciones, el disco va a ser lo más interesante que firma en años. Si se queda en dardos al aire, será un buen disco de rencor con fecha de caducidad, y de esos ya tenemos unos cuantos en la estantería.

El primer single llega en breve y el álbum completo, a principios de 2027, así que hay tiempo para ver de qué lado cae. Mushroom Pillow, por su parte, ya ha movido el anuncio desde su cuenta oficial de Instagram.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? Banin anuncia disco en solitario para 2027 en el que explica su salida de Los Planetas.
• 🔥 ¿Por qué importa? Es la primera vez que alguien de dentro rompe el silencio de la banda.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Ni meme ni drama ajeno: si has tenido un jefe insoportable, las letras te van a servir.

Duncan Sheik, la voz de 'Barely Breathing', murió el jueves 17 de septiembre en un hospital de Manhattan a los 56 años.

La causa fue una insuficiencia cardíaca que desembocó en una parada cardíaca. Lo confirmó su madre, Suzanne Sheik, al New York Times. Su equipo ya había avisado el miércoles de que estaba crítico aunque estable.

'El mundo ha perdido a un talento singular y a una voz profundamente influyente en la música y el teatro', dijo un portavoz a People. En el comunicado también se le recuerda como padre, marido, hijo, hermano y amigo, y se apela a su sensibilidad, su ingenio y su profundidad de espíritu.

De Brown a Los Angeles con una guitarra prestada

Se licenció en semiótica en la Universidad de Brown. En 1992 se mudó a Los Angeles para grabar una maqueta después de tocar la guitarra de acompañamiento para su amiga y compañera de clase Lisa Loeb. Nada en ese currículum apuntaba a un fenómeno de masas.

Su debut homónimo, publicado en 1996, funcionó como alternativa introspectiva a un grunge que lo ocupaba todo. Y 'Barely Breathing', dulce en la superficie y bastante cruda por dentro, se quedó 55 semanas en el Billboard Hot 100: la cuarta racha más larga de la historia hasta ese momento. Más de un año entero viviendo de un solo single.

El problema es que Sheik nunca se sintió cómodo con el traje de ídolo de MTV. Le pesaba el papel de símbolo sexual sensible, y a finales de la década se vio perdido mientras el pop derivaba hacia el artificio de los Backstreet Boys y Britney Spears. 'Pensé que no iba a ganar en este juego de intentar ser Justin Timberlake', contó al Houston Chronicle en 2022. 'Quizá debería intentar hacer algo distinto'.

Cambiar el hit de radio por un musical sobre adolescentes alemanes del siglo XIX no parecía una jugada maestra. Salió, sin embargo, como la mejor decisión de su carrera.

El musical que lo convirtió en otra cosa

Junto al poeta y dramaturgo Steven Sater, con quien ya había firmado 'Phantom Moon' en 2001, empezó a adaptar 'Spring Awakening', la obra de Frank Wedekind de 1891 sobre el despertar sexual de un grupo de adolescentes alemanes que fue prohibida en su época por obscena. Hoy el musical tiene entrada propia en Wikipedia y una lista de premios que quita el hipo.

El resultado se estrenó en 2006: un musical rock con aborto, abusos y suicidio en el libreto que ganó ocho premios Tony, incluido el de mejor musical, estuvo más de dos años en cartel y convirtió a dos desconocidos, Lea Michele y Jonathan Groff, en estrellas de Broadway. Hubo revival en 2015 y hay una nueva producción off-Broadway que abre este noviembre, ya con él fuera de la ecuación.

Después llegaron 'Alice By Heart', su versión de 'Alicia en el país de las maravillas' ambientada en el Londres de la Segunda Guerra Mundial, y 'American Psycho', adaptación de la novela de Bret Easton Ellis, y varios encargos más de escenario. Y siguió publicando música ajena a los teatros: en 2011, un disco de versiones de grupos británicos de los 80 como Depeche Mode y Tears for Fears, y en 2022 su último álbum, el ambiental 'Claptrap'.

Lo raro es que le funcionaran las dos mitades a la vez

Lo fácil es despacharlo como el tipo que convirtió una canción de radio en un Tony. Cierto, pero se queda corto. Lo verdaderamente raro de Sheik es que hizo bien las dos mitades del oficio cuando casi nadie ha hecho bien las dos mitades del oficio.

El circuito del pop y el de Broadway funcionan con lógicas opuestas: uno vive del minuto y medio, el otro de dos horas y media de función. Él transitó los dos sin impostar ninguno. Con matices, eso sí. Cuando el mercado le pidió ser un producto, se bajó del barco. Cuando le pidió ser autor, se quedó a bordo. No le fue mal.

En el último mes, sus propias redes contaban otra historia. El 20 de agosto publicó una foto desde el hospital con un texto que sonaba a cansancio y a lucidez a partes iguales: preferiría estar en casa haciendo música, venía a decir, aunque reconocía que una estancia aburrida en un hospital también tiene sus ventajas. Su equipo confirmó un día antes de su muerte que seguía ingresado y en estado crítico.

Deja a su mujer, Nora Ariffin, con quien se casó en 2011, y a su hija Ines, de siete años. En noviembre abre la nueva versión off-Broadway de 'Spring Awakening'. Él ya no estará entre el público, y eso es justo lo que no se arregla con una nota al pie.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? Duncan Sheik, autor de 'Barely Breathing' y de 'Spring Awakening', muere a los 56 años por un fallo cardíaco.
• 🔥 ¿Por qué importa? Fue de los pocos que sobrevivió al hit de radio y triunfó después en Broadway con ocho Tony.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Nada de meme: se va uno de los compositores más versátiles de las últimas tres décadas.

Werner Herzog ha recogido el Premio Donostia con un consejo para los jóvenes: no viváis una vida dictada por algoritmos.

El cineasta alemán recibió el galardón la noche del viernes en el Festival de San Sebastián, que sigue en marcha hasta el próximo 26 de septiembre. Antes de subir al escenario pasó por la rueda de prensa y soltó varias frases que van a circular por redes más que el tráiler de su propia película.

Porque Herzog no ha venido al certamen a hablar de nostalgia. Ha venido con Bucking Fastard bajo el brazo y con ganas de repartir estopa contra la atención fragmentada, el ruido y la IA.

El consejo que ha lanzado a los jóvenes (y no es un tópico de abuelo)

La frase completa, tal y como la recogió la prensa acreditada en San Sebastián: 'No viváis una vida dictada por algoritmos. Mantener vuestra atención mientras caváis un agujero en el suelo u os construís una pequeña casita en un árbol'. Traducido al idioma de 2026: menos scroll y más aburrimiento productivo.

No es una salida puntual de rueda de prensa. El director sostiene que 'casi todo lo que hacemos ahora es performativo, está dictado por el contexto social', y que eso no es malo en sí mismo, pero obliga a defender el alma de los ataques que llegan de fuera para ocuparla. Su aviso textual: 'Mucho cuidado con la IA, la cosa se va a poner muy difícil'.

Quien arrastró un barco por la selva para rodar Fitzcarraldo tiene autoridad sobrada para pedirte que sueltes el móvil y mires al techo un rato.

Dos gemelas que hablan al unísono: así es 'Bucking Fastard'

La película que ha traído al festival es, según insistió él mismo, 'una ficción completamente inventada'. La protagonizan las hermanas Rooney y Kate Mara como dos gemelas que actúan como si fueran una sola: hablan al unísono, comparten sueños, y se enamoran del mismo hombre. Completan el reparto Orlando Bloom y Domhnall Gleeson. El filme compitió en la última Mostra de Venecia.

Herzog está especialmente orgulloso de que la narrativa se aleje de la fórmula habitual de Hollywood y tenga que ver con 'el mundo poético'. La preproducción fue tan corta que el equipo se conoció prácticamente en el set. Bloom destacó del alemán que 'renuncia por completo a juzgar a sus personajes y no ofrece respuestas fáciles'.

Por qué tiene razón (aunque suene a sermón)

Su filmografía es el aval del discurso. Cerca de ochenta títulos entre ficción y documental, de Aguirre, la cólera de Dios (1972) a Grizzly Man (2005), pasando por el barco arrastrado montaña arriba en Fitzcarraldo (1982). Todas esas películas existen porque alguien mantuvo la atención mucho más tiempo del que dura un vídeo corto, y el repaso a su filmografía completa no deja lugar a dudas.

Lo interesante es que no se vende como mártir del oficio. Rechaza la etiqueta de obsesivo: 'Estoy superrelajado. Si fuera un director obsesivo, todos se irían'. Dice que trabaja con fluidez, que va al banco y queda con amigos, que le quedan tres días de rodaje de su próxima película y que tiene dos libros en marcha a la vez. Sobre el Premio Donostia, admite que solo le hace mirar atrás por un motivo: comprobar que forma parte del club de grandes cineastas que lo recibieron antes que él.

Orlando Bloom, en la misma línea, defendió que 'no puedes hacer personajes si vives desconectado del mundo real' y reivindicó lo doméstico: cocinar, llevar a los hijos al colegio. Es una forma elegante de decir que el oficio se nutre de lo analógico.

Mi lectura: tiene razón, y conviene decirlo con la incomodidad incluida. Cavar un agujero o construirse una casita en un árbol es un plan precioso y bastante elitista; requiere tiempo, espacio y una vida sin turnos partidos. La parte que sí es gratis es la que importa: defender la propia atención no cuesta dinero, cuesta hábito.

Queda por ver si el mensaje sobrevive al propio algoritmo que lo va a distribuir. Herzog tiene tres días de rodaje por delante y cero interés en celebrar su carrera. Nada nuevo bajo el sol.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? Herzog ha recogido el Premio Donostia y ha pedido a los jóvenes desengancharse de los algoritmos.
• 🔥 ¿Por qué importa? Su aviso sobre la IA viene de alguien que lleva seis décadas demostrando lo contrario.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Es un consejo gratis que casi nadie seguirá. Pero se queda.

Jaime Lorente debuta como director con 'El mal hijo' en la sección Nuevos Directores del Festival de San Sebastián. Nadie tenía esa película en la quiniela.

El actor de 'Élite' y 'La casa de papel' lleva años buscando su sitio detrás de la cámara. Que su ópera prima acabe proyectándose en el certamen más importante del cine español no es una anécdota de Instagram, es un cambio de oficio.

Ha adaptado la novela de Salvador S. Molina, pero ha estirado el relato más allá de lo que cuenta el libro para meter los temas que le atraviesan: la tierra, la violencia, la masculinidad las adicciones y el papel de la mujer como dique de contención. Tela.

La tesis del filme pasa por ahí: la mujer rompe el círculo de violencia y no es decorado. Él lo suelta sin rodeos: 'Detrás del 90% de los hijos que se recuperan hay una gran mujer'.

Qué es 'El mal hijo' y por qué nadie se lo esperaba

La película se ha presentado dentro de Nuevos Directores, la sección del Festival de San Sebastián donde se coloca a las promesas. Entre apellidos debutantes, el de Lorente chirriaba. Quienes ya la han visto le repiten eso de 'no me la esperaba' y él lo asume: 'Y lo entiendo, porque he hecho muchas cosas comerciales y esto es todo lo contrario'.

En el reparto están Susi Sánchez y Miguel Ángel Puro. También hay nervios, y los reconoce: miedo a 'hacer el ridículo, a no saber defender la película, a no estar a la altura'. Añade que viendo este filme la gente puede conocerle mucho mejor que viendo cualquier trabajo previo como intérprete.

El hombre que aprendió a gestionar sus emociones dándose cabezazos contra la pared ahora las filma en celuloide y con la cámara quieta.

Y ojo, porque no hay ejercicio de vanidad: se rodó en analógico, con material finito y sin margen para infinitas tomas. Una decisión que suena a capricho de autor y que condiciona todo el rodaje.

Por qué rodar en celuloide no es postureo (aquí)

Lorente se declara 'fascinado' por el celuloide: el motor de la cámara, la certeza de que no hay posibilidades infinitas de repetir. Esa limitación va con su idea de cine, la de 'hacer lo mínimo para contar cada segundo'.

Él mismo bromea con que no disponían de los '600 kilómetros de película' de Nolan, así que aquello fue su particular Odisea. Un debut modesto en medios y ambicioso en intenciones.

El relato personal que hay detrás tampoco es menor. Habla de un proceso 'de mucha oscuridad' que no supo gestionar, de una época en la que su primera forma de sanar fue la violencia. Y de la gente que le ayudó dándole la mano en vez de pegándole.

De 'La casa de papel' a la silla del director: qué hay detrás

Que un actor con dos fenómenos de masas a la espalda salte a la dirección es un clásico del cine español y, seamos honestos, el salto de actor a director casi nunca sale bien. Hay excepciones, y San Sebastián ha sido históricamente un buen sitio para detectarlas, porque Nuevos Directores lleva décadas funcionando como lanzadera. Lo que cambia aquí es el punto de partida: Lorente llega con el ruido de Denver pegado a la espalda y con la sospecha de que su apellido vende más que su criterio.

Por eso la película es una prueba doble. Mide si el tipo tiene mano y mide si nosotros somos capaces de mirar sin prejuicios. Los que ya la han visto insisten en que no se la esperaban, y ese piropo es un prejuicio disfrazado de cumplido.

Mi lectura: el hype está justificado a medias. La apuesta formal —celuloide, contención, temas incómodos— apunta a alguien que quiere construir algo propio, no a un actor comprándose un juguete caro. Pero un debut no es una carrera y la prueba real llegará cuando salga de la burbuja del festival. De momento, sin fecha de estreno comercial confirmada.

El resumen para vagos (TL;DR)

• 🎯 ¿Qué ha pasado? Jaime Lorente ha presentado 'El mal hijo', su debut como director, en Nuevos Directores de San Sebastián.
• 🔥 ¿Por qué importa? Adapta a Salvador S. Molina y habla de adicciones, masculinidad y violencia sin el ruido de sus éxitos televisivos.
• 🤔 ¿Nos afecta o es solo un meme? Ni meme ni pelotazo: es una prueba seria que se decidirá cuando tenga fecha de estreno.